LES STYLES EN SCULPTURE SUR PIERRE

PREHISTOIRE   La pratique de la sculpture remonte au paléolithique. De manière générale, les artistes de cette époque utilisent les reliefs préexistants comme les support rocheux et y adaptent leurs représentations. Les bois ou les ossements d'origine animale sont également utilisés. La production est abondante et souvent de très grande qualité. L'art constituait un véhicule à priori omniprésent dans la vie des hommes de cette époque. Certaines sculptures sont particulièrement réalistes et expressives et on suppose que les objets accompagnaient les hommes durant leurs chasses ou leurs déplacements. Étagne (femelle du bouquetin) du Roc-aux-Sorciers Extrémité d'un propulseur à la tête de cheval   Lorsque la sculpture ou la gravure est décorative, elle vise à orner les armes ou les outils du quotidien, la plupart du temps par la représentation des grands herbivores qui constituent la faune de l'époque : chevaux, bisons, bouquetins, aurochs, cervidés.   Au Gravettien, on produit des statuettes anthropomorphes féminines standardisées. Ce sont les fameuses représentations féminines du paléolithiques aux formes généreuses. Elles ont certainement une portée symbolique liée à la fécondité. Dame de Brassempouy   Les exemples les plus connus sont "la Dame de Brassempouy" (ou Dame à la capuche), sculptée dans l'ivoire de mammouth, la "Vénus de Dolni Vestonice" réalisée en céramique ou encore la "Vénus de Willendorf" sculptée dans le calcaire. Vénus de Willendorf Vénus de Dolni Vestonice    La production de sculpture est abondante et souvent de très grande qualité. L'art constitue un véhicule à priori très présent dans la vie des hommes de cette période. Certaines sculptures sont particulièrement réalistes et expressives et, lorsqu'elles n'ornaient pas leur lieus d'habitation, on suppose que les objets sculptés accompagnaient les hommes durant leurs chasses ou leurs déplacements. Bison se léchant

ANTIQUITÉ ÉGYPTIENNE Période Ancien Empire Égyptien de - 3 000 à - 2 260 av. J.-C.   La production artistique qui a lieu en Égypte entre la IIIe et la VIe dynastie se caractérise notamment par des complexes monumentaux et des statues de grande taille. La sculpture a une fonction rituelle. L'effigie assure le maintien en vie de l'âme qui peut s'y transférer. Le travail de la pierre est maîtrisé. Représentation frontale dégageant une impression de force et d'intensité. Sépa (administrateur de la Haute-Egypte)   Les statues sont assez massives : les jambes et les bras sont accolés au corps, la tête presque sans cou et les jambes volumineuses.   Les hommes sont représentés portant un pagne plissé et une perruque boule (statue de Sépa), tandis que les femmes sont habillées d'une longue robe moulante et portent une longue et lourde perruque tripartite à tresses (statue de Nésa). Même si la polychromie s'est souvent estompée, les statues sont peintes. On note en général un grand réalisme anatomique et bien que stéréotypé, le rendu des visages est très réaliste. Nésa (l'épouse de Sépa) Khéops (Pharaon de la IVe dynastie)   Les statues royales présentent le souverain dans une attitude classique. Le pharaon peut se trouver en position assise, sur un trône à dossier bas, (statuette de Khéops). Il est revêtu d'un pagne long ou du manteau de fête-Sed (fête de jubilé célébrée traditionnellement à partir de la trentième année de règne d'un pharaon). Il peut également figurer debout (Triades de Mykérinos en schiste de grauwacke présentant le roi Mykérinos entouré de la reine Hathor et de la personnification d'une province égyptienne, un nome). Triade de Mykérinos (les 3 personnages)   Le Sphinx de Gizeh est représentatif de cette période. Ce monument, taillé dans un promontoire naturel, est la plus grande sculpture monolithique au monde (73,5 m de long, 14 m de large et 20,22 m de haut). Le Sphinx de Gizeh Période Moyen Empire Égyptien de - 2 050 à - 1 750 av. J.-C.   Cette époque est variée et novatrice pour la statuaire. Selon les sculpteurs et les périodes le style peut aller de l'expression la plus rude pour aboutir à un art tout d'harmonie et d'équilibre.   Le style de la XIe dynastie propose des visages ronds aux grands yeux ouverts et un corps massif, dans une position rigide, comme le montre la statue en grès peint de Montouhotep II.   Le style classique de la XIIe dynastie offre plus d'élégance. Les visages sont plus personnalisés et le modelé du corps plus souple, comme pour la statues de Sésostris III.   Dans le domaine privé, des changements aussi ont lieu dans l'aspect des perruques, la nature desz vêtements et les attitudes des personnages. Montouhotep II (souverain de la XIe dynastie)   C'est cette époque qui voie l'apparition de la statue-cube (ou statue-bloc) dans les temples et près des tombes. Le personnage est représenté accroupi, les bras croisés posés sur les genoux. La tête et la coiffure émergent de ce cube parfait aux angles arrondis en donnant la possibilité de graver de longues inscriptions hiéroglyphiques sur les surfaces. Statue cube de Ser (un employé du roi ) Sésotris III (souverain de la XIIe dynastie)   Deux écoles de sculpture se distinguent, celle de Memphis, dans le Nord, lyrique et idéaliste, comme en témoigne la statue d'Amenemhat III. Alors que dans le Sud, l'école de Thèbes les représentations sont très réalistes. Ainsi, les effigies de Sésostris III montrent un souverain à l'air désabusé et triste et aux traits fatigués.   Le pessimisme suscité par l'anarchie de la première période intermédiaire est sensible dans la statuaire du Moyen Empire. Le culte voué à Osiris a démocratisé l'idée de survie dans l'au-delà. Alors, le défunt n'est plus représenté dans tout l'éclat de sa force physique, l'expression du visage est triste ou pensive et on emploie les pierres sombres et polies pour renforcer cet effet de gravité.   Une statuaire qui n'est plus exclusivement funéraire se développe également. Les fidèles déposent leur effigie en ex-voto dans les temples. Le groupe de Senpou retrouvés à Abydos en est un exemple caractéristique. L'ensemble est réalisé en calcaire hormis la table d'offrande qui est en albâtre. Cette pratique semble avoir été particulièrement importante à la fin de la XIIe dynastie et au début de la XIIIe dynastie. Groupe de Senpou (ex-voto d'Abydos) Amenemhat III (pharaon de la XIIe dynastie) Période Nouvel Empire Égyptien de - 1 552 à - 1 080 av. J.-C.   Cette période est la plus prospère de toute l'histoire égyptienne. Dans le domaine de la sculpture, on a tout d'abord recours aux principes du passé, mais peu à peu, le style du Nouvel Empire s'affirme jusqu'à atteindre un degré de maîtrise tel que cette période sera considérée comme le sommet de l'art égyptien.   Dans les tombeaux, on abandonne la représentation des scènes de la vie quotidienne pour évoquer les événements importants d'une vie face à l'éternité. De nombreux motifs sont introduits, comme les plantes, les fleurs, les oiseaux ou les paysages. L'art du relief suit la même évolution que la statuaire, comme le montre les magnifiques reliefs figurant sur la tombe de Ramose. Tombe de Ramose - le défunt et son épouse (Gouverneur de Thèbes et Vizir) Buste de Ramsés II (pharaon de la XIXe dynastie)   L'Égypte s'ouvre vers l'étranger et cela se ressent dans les styles qui évoluent au rythme des influences diverses. Les accessoires des emblèmes divins sont introduits et la forme du corps apparaît plus souple et un peu plus détachée du bloc.   Tous les talents se libérèrent, mais la statue-cube conserve son importance et sa forme sommaire et stylisée revient dans la statuaire privée. Placée dans la cour des temples, elle offre de belles surfaces planes qui permettent d'inscrire des inscriptions, des prières ou encore des dédicaces. Statue-cube de Bakenkhonsou (Grand prêtre d'Amon)   Au cours de la XVIIIe dynastie, le Pharaon Akhénaton décide d'abolir la religion polythéiste et met en place une religion monothéiste basée sur le culte d'Aton, Dieu du disque solaire. Le souverain lui-même enseigne aux artistes les modifications profondes à apporter dans la représentation et un nouveau style se développe, c'est l'art Amarnien. Parfois considéré comme excessif, cet art se caractérise par de longs visages au crâne allongé, l'œil est oblique et les paupières lourdes avec des rides d'expression. Les lèvres sont soit minces, soit charnues et bien dessinées tandis que les pommettes sont accentuées, les cous allongés et les corps amollis et ventrus. Buste d'Akhenaton (pharaon de la XVIIIe dynastie) Souverain Amarnien Buste de Nefertiti (épouse royale d'Akhenaton)   Il est bien différent par ses aspects de l'art classique en place avant lui. L'art Amarnien dans ses représentations humaines, se veut réaliste, vivant, expressif et privilégie les courbes.   On représente alors le souverain et sa famille dans des scènes intimes. On voit la Reine Néfertiti assise sur les genoux du Roi, les enfants jouer avec eux, le Roi embrasser la Reine ou encore la famille au cours d'un repas. Ces représentations sont uniques dans l'histoire de l'art Égyptien. Akhénaton, Néfertiti et trois de leurs filles sous le symbole d'Aton

ANTIQUITÉ GRECQUE Période Cycladique de - 3 000 à - 1 700 av. J.-C.   L'art cycladique appelé parfois art égéen, est rattaché aux civilisations vivant dans les îles des Cyclades, un archipel montagneux de la mer Egée. Ces petites îles furent le foyer d'une culture florissante d'où émergea cet art. Les formes les plus connues sont des objets de marbre généralement nommés "idoles" ou "figurines". Leur réalisation, si particulière, impliquent un sens poussé de la géométrie et de l'abstraction.   Une majorité de ces sculptures représentent des femmes nues, les bras croisés sur le ventre. De proportions très rigoureuses et de style unique, elles procurent un rendu d'équilibre exceptionnel. La tête, assez épaisse, est plus ou moins en forme de lyre, un visage de forme convexe est souligné par un nez proéminent, sans yeux ni bouche. La forme du corps, en trapèze, montre souvent des seins, une taille marquée et les jambes, distinctes l'une de l'autre, légèrement fléchies avec les pieds tendus. Variété de Plastiras (cimetière de Paros)   D'autres idoles sont plus élancées ou présentent des jambes séparées d'une simple ligne creuse. D'autres, dont le contour rappelle celui d'un violon offre une approche encore plus stylisée du corps de la femme. Idole en forme de violon (Groupe de Pélos) Variété de Dokathismata (cimetière d'Amorgos) Joueur de pipeau   Ces figurines de marbres retrouvées autour de la mer Egée suggèrent qu'elles étaient populaires parmi les peuple de la Crète. Les plus célèbres sont peut-être celle du joueur de harpe et celle du joueur de pipeau. Joueur de harpe   Au début du XXe siècle, ces statues antiques avec leur forme stylisée et géométrique influencèrent de nombreux artistes comme Picasso, Giacometti, Brancusi, Arp ou Laurens. Visage de femme Période Minoenne de - 1 800 à - 1 400 av. J.-C.   La civilisation minoenne s'est développée sur les îles de Crète et de Santorin. Bien que plus connus pour leur maîtrise de la céramique et leurs fresques colorées, les artistes crétois sculptent également des statuettes en pierre certainement inspirées des figurines cycladiques. Ils développent également l'art de graver les sceaux.   On retrouve dans les sanctuaires de maisons de nombreuses figurines féminines que l'on désigne comme la "Déesse serpent". Leur grand nombre laisse à penser qu'elles représentent la déesse-mère et constitue l'objet de culte d'une religion matriarcale. Déesse aux serpents (faïence) Déesse aux serpents (stéatite et or)   Le taureau tient une place très importante dans la culture crétoise. C'est un animal vénéré, mais il est aussi utilisé pour pratiquer un jeu acrobatique et sportif durant lequel'animal n'est jamais abattu. Vase tête de taureau (or/stéatite noire/cristal de roche)   Des jeunes gens le saisissent par les cornes et effectuent toute une variété de sauts périlleux au-dessus de son dos.   Le taureau trouve sa place dans de nombreuses représentations comme par exemple ce vase à libation à tête de taureau retrouvé à Knossos ou cet acrobate pratiquent son fameux sport. Acrobate au saut du taureau (ivoire)   L'Égypte a certainement transmis aux crétois l'usage des sceaux, utilisés pour l'identification ou la sécurisation de documents. Mais les artistes détournent leur usage utilitaire vers un art de la gravure, la glyptique. L'objet se transforment alors en amulettes que l'on porte sur soi et le sceau, qui représente tout d'abord un signe, se développe vers une certaine forme d'écriture. Parmi les biens retrouvés dans les sépultures minoennes, figurent souvent des sceaux, ce qui prouve l'idée d'identification personnelle qui leur est attribuée. Sceaux minoens Période Mycénienne de - 1 630 à - 1 200 av. J.-C.   La civilisation mycénienne se développe en Grèce, dans le Péloponnèse, mais aussi en Crète, dans le sud de l'Anatolie et en Sicile. Leur création artistique emprunte beaucoup a celle des crétois que ce peuple guerrier a envahi. Fresques murales, céramique ou orfèvrerie et quelques sculptures monumentales ornant les palais-forteresses.   Les Mycéniens sont de grands bâtisseurs et leur plus importante réalisation est Mycènes. Des murailles de six mètres de hauteur entourent la ville et son palais. Bien plus tard, elles sont baptisées "murs cyclopéens" par les grecs, parce qu'ils imaginent que seuls des géants ont pu construire cela. Porte des lions à l'entrée de la cité de Mycènes Tête de guerrier (ivoire)   Les artistes mycéniens travaillent également l'ambre et l'ivoire. L'ambre importé d'Europe septentrionale est utilisé en joaillerie pour la confection de colliers en perles. Tandis que l'ivoire d'Égypte et d'Orient sert à sculpter des figurines ou à fabriquer des objets de toilette ou des plaques décoratives incrustées. Tête d'homme (grès peint)   Mais l'élément le plus remarquable de l'art mycénien est l'usage de l'or. Il est utilisé aussi bien dans les parures que dans la fabrication d'objets précieux ou encore comme masques funéraires que l'on enterre avec les défunts. Masques funéraires et coupes en or Période Géométrique de - 1000 à - 700 av. J.-C.   La période géométrique désigne l'une des époques de l'histoire de la Grèce antique. Elle est ainsi nommée en raison des décors géométriques simples peints sur les vases de céramique, comme pour ses sculptures aux formes abstraites.   Durant cette période, l'art se réduit à la céramique et aux objets indispensables en terre. Les vases sont fabriqués en quantité dans des ateliers ou des écoles, alors que la sculpture est quasi inexistante. Elle se résume à la réalisation de petites figurines en terre cuite ou en bronze. Pot à motif géométrique (terre cuite)   Ces statuettes ont une forme très caractéristique, décomposée de façon élémentaire. Elles représentent des animaux, des guerriers ou des monstres mythologiques, comme les centaures. Ce sont des ex-voto placés dans les sanctuaires en offrande aux Dieux. Statuette de cheval (calcaire) Cheval (bronze) Période Orientalisante de - 700 à - 600 av. J.-C.   Au milieu du 8° siècle commence un énorme mouvement de colonisation et un courant constant d'échanges avec Chypre, l' Égypte et les cotes syriennes. Ces nombreux contacts influencent l'art grec dans les formes comme dans les matériaux employés. Le style se fait de moins en moins géométrique, il s'orientalise progressivement pour mener à la sculpture dédalique. Sphinx sur pied (bronze)   Les bases mêmes de l'art grec se construisent en s'ouvrant aux richesses de civilisations étrangères. La production artisanale se développe et les centres d'art foisonnent et renouvellent les thèmes décoratifs. Les techniques majeures d'architecture et de plastique voient le jour. Dame d'Auxerre (calcaire)   C'est donc durant cette période que l'art dédalique prend son essor. Ce mouvement artistique est lié aux régions d'origine dorienne et à la Crète. Il doit son nom à l'artiste mythique Dédale, l'inventeur de la sculpture pour les Grecs. Il s'agit d'un style de représentation rigide qui caractérise le décor céramique, mais surtout la statuaire. Il constitue le premier témoignage de la sculpture monumentale en ronde-bosse de la civilisation grecque antique. Contrairement au style géométrique qu'il côtoie encore à cette époque, l'art dédalique met en valeur l'anatomie du corps humain. Il fixe les modalités de représentation des visages, toujours encadrés d'une chevelure lourde et élaborée. Apollon pythien (bronze)   L'utilisation du marbre et de la pierre calcaire dans la statuaire est de nouveau attestée, après des siècles de relatif abandon. Cela permet l'émergence des premiers exemples de sculpture monumentale, inspirée probablement par l'art égyptien. Le canon qu'il détermine et qui est repris par la suite montre l'arrivée progressive de la sculpture et de l'architecture au premier rang de la création artistique grecque. Divinités assises et lionnes (linteau du temple de Prinias) Période Archaïque de - 800 à - 500 av. J.-C.   Alors qu'en architecture les deux grands ordres Dorique et Ionique apparaissent, c'est l'âge d'or de la sculpture en marbre et plus encore en bronze. Peu à peu, la statuaire gagne en précision et en mouvement.   Simples dans leurs postures et leurs formes, les statues de cette période tiennent certainement leur inspiration dans l'art égyptien et mésopotamien. Les figurines du passé qui servaient d'offrandes dans les temples font maintenant place aux figures féminines et masculines grandeur nature et stéréotypées. Korè de Merenda (Marbre)   Une "korè" (koraï au pluriel), représente toujours une jeune femme au visage souriant, aux pommettes saillantes et aux grands yeux en amande. En position debout, les jambes sont réunies ou, parfois, le pied gauche est légèrement avancé, les deux bras sont pendants, ou bien un bras est levé pour tendre une offrande : une fleur, un fruit, un petit animal… C'est une offrande qu'elle fait à la divinité. L'autre main tient un pli du vêtement. Les koraï sont toujours vêtue d'un chiton (une tunique) et d'un himation (un châle).   Ces korai sont généralement sculptées dans le marbre, rarement dans le calcaire et la plupart du temps réalisées dans plusieurs pièces assemblées. Les yeux et les attributs, comme les bijoux sont fréquemment ajoutés et traités dans un autre matériau. Mais c'est surtout la décoration peinte qui anime la statue par une polychromie héritée de la palette égyptienne.   Un kouros (kouroï au pluriel) est la statue d'un jeune homme debout avec un corps athlétique, les bras sur le côté et les poings serrés, ou bien parfois avec un bras tendu tenant une offrande. Les kouroï sont représentés nus avec la jambe gauche légèrement en avant à la manière de la statuaire égyptienne où ils trouvent leur inspiration.   Leur visage est encadré par des cheveux longs tressés ou ornés de perles à la mode crétoise, leurs yeux sont en amande et ils arborent un léger sourire. Pour les grecs de cette époque, les kouroï représentent le défunt comme le type idéal de la masculinité. La nudité est ainsi une façon d'affirmer sa valeur. Dans l'éducation des hommes grecs, l'entraînement physique est très important. Les concours sportifs, comme les jeux Olympiques, sont organisés en l'honneur des dieux et sont autant d'occasions de prouver des qualités exceptionnelles.   Les ateliers de sculpture gagne en expérience, leurs représentations montrent des poses de plus naturelles et les coiffures deviennent plus typique de la Grèce. Leur connaissance du marbre permet maintenant de sculpter des kouroï gigantesques. Les plus grands sont produits pour le grand sanctuaire de la déesse Héra de Samos. Un de ces kouroï géant dédiée à Héra mesure cinq mètres de haut, c'est le plus grand jamais retrouvé. Kouros de Volomandra (Marbre)   A l'apogée du style, le temple d'Aphaïa d'Égine, de style dorique, les statues du fronton ouest montrent l'évolution du style archaïque. La scène représente un combat lors du siège par Agamemnon. Athéna est au centre, à sa gauche, un troyen et un grec bataillent, tandis que Teucer a touché de sa flèche le troyen allongé à sa gauche. À droite d'Athéna, Ajax s'attaque à un troyen et Pâris tend son arc à côté d'un guerrier agenouillé. Sa flèche a certainement touchée mortellement le troyen tombé (notre image), même si paradoxalement ce dernier arbore le fameux sourire archaïque, caractéristique de ce style. Fronton du temple d'Aphaïa en marbre de Paros - partiellement reconstitué (île d'Egine) Guerrier troyen tombé au sourire archaïque (situé à droite du fronton) Période Classique de - 450 à - 323 av. J.-C.   C'est en mer Égée qu'est née la grande sculpture en pierre. Les carrières de Paros et de Naxos fournissent la matière première pour la grande sculpture archaïque et classique. En Attique, territoire de la cité-État d'Athènes, les carrières du Pentélique succèdent à celles de l'Hymette et des Cyclades.   Les ateliers de production sculpturale d'Athènes occupent un rôle important et voient naître des changements de style. Les compétences techniques des sculpteurs évoluent avec l'étude des mouvements et de l'anatomie. Les drapés habillent les corps, les poses sont désormais plus naturelles et les traits des visages dépeignent les sentiments animant le sujet. Le mouvement gagne en liberté et en naturel, le canon esthétique est né. Le premier classicisme (- 450 à - 430)   Le temple de Zeus à Olympie est l'édifice ou se manifeste pour la première fois la recherche d'effets esthétiques qui conjuguent l'architecture et la sculpture. Le monument abrite la statue monumentale de Zeus réalisée par le sculpteur athénien Phidias. Aujourd'hui disparue, elle est considérée à cette époque comme la troisième des sept merveilles du monde. La statue d'environ douze mètres de haut est réalisée selon la technique chryséléphantine. Elle consiste à recouvrir une structure en bois de plaques d'or et d'ivoire. L'or forme les cheveux, la barbe, les sandales et la draperie, tandis que l'ivoire donne l'aspect de la peau au corps nu. Reproduction de la statue dans le temple de Zeus à Olympie (statue chryséléphantine, or et ivoire)   Plusieurs ateliers originaires de toute la Grèce collaborent à l'ornementation des frontons et des métopes sous la tutelle de l'architecte Libon d'Elis.   Ce vaste chantier constitue un terrain d'expérimentation pour les sculpteurs, ce qui fait du monument un véritable manifeste de l'esprit nouveau qui anime les sculpteurs grecs de cette période.   Mais Phidias est certainement le meilleur représentant du style classique à son commencement. Bien que réaliste dans sa représentation de l'anatomie humaine, il transmet à ses sculptures un sentiment de majesté et de sérénité. Phidias abandonne la frontalité du corps pour l'inscrire ici dans un mouvement rapide, vigoureux, qui anime ses compositions. Apollon et le combat des Centaures et des Lapithes (Temple de zeus à Olympie - Fronton ouest - Marbre de Paros) Cavaliers dans la procession des Grandes Panathénées par Phidias (Le Parthénon sur l'acropole d'Athènes - Marbre de Paros)   Au Parthénon ses bas-reliefs impressionnent par la rigueur de leur composition, leur souci du rythme et leur grande minutie. Phidias introduit dans les scènes des contrepoints comme des personnages retournés ou à contre-courant et joue sur les courbes. Il détache et étage ses personnages pour donner l'impression de multitude sans créer la confusion. Chacun des sujets est une véritable sculpture.   C'est durant cette période qu'un autre sculpteur dominant, Polyclète, rédige un ouvrage qui va perdurer pendant toute l'Antiquité : "Le Canon". Il y décrit un système de proportions et un mode de représentation typique qui anime le corps entier. Le Doryphore ou Porte-lance par Polyclète (Temple de zeus à Olympie - Fronton ouest - Marbre de Paros)   Polyclète entrepris de le démontrer en réalisant une statue dont toutes les parties forment une proportion parfaite, Le Doryphore : " La tête entre au total sept fois dans le corps, deux fois entre les genoux et les pieds, deux fois dans la largeur des épaules et deux fois dans la hauteur du torse "   La posture est particulière, elle adopte une attitude qui permet d'introduire du dynamisme dans la composition, tout en soulignant la cohérence du corps et le lien des différents muscles entre eux. Elle est nommée contrapposto ou hanchement car une des deux jambes porte le poids du corps, l'autre est laissée libre et légèrement fléchie en arrière, ce qui provoque un basculement des hanches et une inclinaison à l'inverse des épaules. La musculature est puissante, avec des sillons inguinaux et des pectoraux très marqués, la tête est tournée du côté de la jambe d'appui et n'offre aucune expression particulière. Cette attitude, tout en suggérant la profondeur, donne plus de légèreté et de souplesse à la figure.   Ce schéma répété au premier classicisme ne va varier que par la position des bras et la nature de l'objet tenu, qui introduit un élément narratif ou précise la discipline de l'athlète.   Le Discobole du sculpteur Myron, célèbre pour ses sculptures de gymnastes en action, en est un exemple bien connu.   Le corps de l'athlète est représenté avec une extrême précision. L'athlète s'apprête à lancer le disque dans un geste saisi sur le vif. Le mouvement se développe en spirale sur plusieurs plans : les jambes, le torse, les bras, la tête. Tous les muscles sont tendus dans un effort souple et continu. Le Discobole (copie romaine d'après Myron) Le maniérisme (- 430 à - 370)   Un style sculptural nouveau apparaît durant cette période. À la préciosité et la légèreté des nouvelles architectures, s'associe une nouvelle manière d'aborder la sculpture en bas-relief, dans laquelle la figure féminine va trouver une nouvelle expression, le "maniérisme".   La tendance est à la virtuosité et à la sensualité. Les draperies voltigent et soulignent les formes gracieuses du corps féminin en créant un effet de transparence, parfois nommé "drapé mouillé" ou encore de "transparent". Aphrodite au pilier (Copie romaine d'après Alcamène) La Victoire attachant sa sandale du temple d'Athéna illustre parfaitement ce type de représentation. Elle est attribuée au sculpteur Agoracritos de Paros, un fameux disciple de Phidias.   D'autres artistes importants marquent cette période, Alcamène, également élève de Phidias ou Callimaque, à qui on attribue (à tort ou à raison) le fameux chapiteau corinthien caractérisé par l'emploi de feuilles d'acanthe. Chapiteau de l'ordre corinthien Athéna ajustant sa sandale (Temple d'Athéna Acropole d'Athènes Marbre pentélique)   Au temple d´Apollon Epicourios à Bassae les thèmes des frises ioniques évoquent la Centauromachie, le combat des Centaures et l'Amazonomachie, le combat des Amazones. Les corps nus alternent avec les drapés, les gestes sont expressifs et les détails réalistes. Combat des amazones (temple d´Apollon Epicourios à Bassae) Combat des Centaures (temple d´Apollon Epicourios à Bassae) Néréide - Tombeau d'Aubinas (Xanthe)   Le monument des Néréides de Xanthos (Turquie) est réalisé par les grecs durant cette période. Des statues féminines sont sculptées entre les colonnes, les Néréides, des nymphes de la mer qui ont pour mission d'accompagner les âmes des morts. Leurs drapés plissés, plaqués sur leur corps et gonflés par le vent, leurs mouvements légers révèlent toute la sensualité et la préciosité des détails de ce style.   Cette époque est un grand moment pour le corps féminin comme le style du premier classique l´est pour le corps masculin. monument des Néréides de Xanthos Le second classicisme (- 370 à - 323)   Après une période marquée par la poursuite du maniérisme, la sculpture retrouve une certaine sobriété. Les canons sont affinés, l'interprétation est plus légère, moins rigide. La renaissance de l'Ionie attire les meilleurs sculpteurs et bronziers et chacun d'eux exprime l'esprit nouveau de l'époque avec son tempérament en marquant l'histoire de la sculpture : Timothéos - Praxitèle - Lysippe - Scopas de Paros - Léocharès - Bryaxis. Nombreux d'entre eux collaborent à la réalisation du Mausolée d'Halicarnasse (cinquième des sept merveilles du monde antique), dont il ne reste malheureusement que quelques vestiges disséminés dans les musées du monde. D'ailleurs, seulement quelques œuvres ou fragment des sculptures de ces artistes ont pu être retrouvées. La plupart du temps nous les illustrons en montrant des copies réalisées par les artistes de l'Empire Romain qui les ont succédé.   Au début de cette période, le sculpteur Timothéos prolonge et diffuse encore dans ses œuvres le maniérisme, mais amorce aussi une forme d'exaltation qui dominera le second classicisme.   Léda et le cygne. Elle est reine de Sparte et aimée du dieu Jupiter. Il l'approche sous la forme d'un cygne et s'unit à elle alors qu'elle se baigne dans le fleuve. La statue représente le moment où le cygne cherche refuge contre l'attaque d'un aigle et où Léda, le pressant contre elle, le protège de son manteau L'effet de transparence de la draperie sur le torse de Léda et les lourds plis de tissu entre ses jambes caractérise le style Timotheos.   Asclépios est le dieu et fondateur de la médecine pour les grecs de l'antiquité. Il détient le pouvoir magique de guérir et de ramener à la vie. Son attribut principal est le bâton autour duquel s'enroule un serpent (aujourd'hui symbole de la médecine). Timothéos réalise sa statue à Épidaure, son principal lieu de culte où il guérit les pèlerins par incubation (un rite divinatoire consistant à dormir dans ou près d'un sanctuaire pour obtenir, sous la forme d'un songe, les prescriptions du dieu guérisseur).   Néréide ou Aura sur un cheval, en marbre pentélique, trouvée à Épidaure (acrotère droit du fronton ouest du temple d'Asclépios). La déesse est représentée assise sur un cheval surgissant de l'Océan. Léda et le cygne (copie romaine d'après Timothéos ) Asclépios (copie romaine d'après Timothéos ) Néréide ou Aura d'Épidaure (par Timothéos )   Athènes abritent de nombreux ateliers et reste un foyer important de création. Le nom du sculpteur Praxitèle y est synonyme de beauté parfaite et démontre l'excellence atteinte par les maîtres du passé. Dans ses différents thèmes, Praxitèle s'attache à traiter l'adolescence, le nu viril au repos ou l'épanouissement féminin. L'Aphrodite de Cnide (copie romaine d'après Praxitèle)   L'Aphrodite de Cnide est l'une de ses œuvres les plus célèbres et fait l'objet de nombreuses répliques. Elle représente la déesse au bain, et, bien qu'offrant une certaine pudeur, c'est la première représentation connue de la nudité féminine complète dans la grande statuaire grecque. Le visage forme un ovale très allongé et bien régulier. Le front est défini par un triangle, les arcades sourcilières forment un arc de cercle régulier vers le nez, les yeux sont doux, la bouche est petite et sensuelle. Visage de l'Aphrodite de Cnide (copie romaine d'après Praxitèle)   Ses personnages masculins adoptent une pose parfois efféminée par le modelé moelleux de leur torse ou les lignes de leur visage estompées. Les draperies sont réalistes et certains éléments sont ajoutés dans les compositions, comme des troncs d'arbres.   Avec l'Apollon Sauroctone, Praxitèle représente le dieu s'apprêtant à tuer un lézard placé sur un tronc. La pose souple et détachée donne à la figure une grande liberté.   Le Satyre au repos, quant à lui, marque définitivement la rupture avec le premier classicisme et annonce déjà le réalisme de l'époque suivante. Ici aussi, il utilise un soutien afin de donner à la figure une pose dégagée.   Hermès portant Dionysos est réalisé à la fin de sa carrière. Il marque un surprenant retour aux formes fixées par Polyclète, si ce n'est la grâce et sensualité qui se dégage de l'ensemble, comme le regard caressant porté par Hermès à l'enfant. Apollon Sauroctone (copie romaine d'après Praxitèle) Hermès portant Dionysos (copie romaine d'après Praxitèle) Satyre au repos (copie romaine d'après Praxitèle)   Le sculpteur Lysippe de Sicyone, peintre et bronzier, puis sculpteur attitré d'Alexandre marque aussi cette période par ses innovations. Il utilise un nouveau canon de 8 têtes dans la hauteur du corps au lieu des 7 têtes préconisées par Polyclète. Cette simple théorie procure à ses œuvres un aspect plus élancé du corps humain.   L'Apoxyomène représente un athlète nu qui se nettoie en se raclant la peau avec un strigile. La statue n'est plus uniquement frontale, le bras tendu à angle droit provoque l'envie de se déplacer pour bien saisir le mouvement. La musculature est moins marquée que chez Polyclète, mais la posture dite "contrapposto" (hanchement) est utilisée. La tête étonne par sa petite taille (un huitième du corps entier), ce qui renforce l'effet d'élancement.   L'Hercule Farnèse est représenté au repos, appuyé sur sa massue, sur laquelle est posée la peau du lion de Némée qu'il a tué et dépouillé. Dans la main droite, derrière son dos, il tient une pomme d'or du jardin des Hespérides. Comme avec l'Apoxyomène, le corps bien que massif, n'exagère pas la musculature. Le sculpteur veut ici introduire le corps humain dans l'espace en jouant de la position des bras et des jambes pour multiplier les angles de vue.   Éros bandant son arc, La figure, dont le poids est supporté par la jambe gauche, est disposée en fonction des diagonales formées par les bras tendus vers la droite et tenant l'arc. Dans l'effort du mouvement, le jeune garçon réalise une légère torsion du buste vers la droite, accompagnée par une inclinaison de la tête dans la même direction. Dans son œuvre, Lysippe n'a de cesse de multiplier les recherches sur le mouvement et le rôle de la lumière pour donner à son art plus de réalisme et d'expression. Apoxyomène (copie romaine d'après Lysippe ) Héraclès Farnese (copie romaine d'après Lysippe ) Éros bandant son arc (copie romaine d'après Lysippe )   Scopas est un architecte et aussi un sculpteur prolifique de cette période. Il ne travaille presque exclusivement que le marbre de sa patrie, celui de Paros. Toutes ses œuvres connues sont des représentations divines, statues de culte en marbre ou figures mythologiques diverses. Il collabore avec Praxitèle , dont le style est d'ailleurs assez proche. Mais il s'en écarte parfois préférant la force de l'expression et la vigueur de l'action au repos et au sentiment. Il est réputé pour l'intensité que procure ses œuvres, bouche entrouverte, narines palpitantes et accentuation du regard. Tête d'Hygie retrouvée dans les ruines du temple d'Athéna Aléa de Tégée (par Scopas)   La Ménade fait certainement partie d'un groupe. Les Ménades sont ces femmes possédées qui personnifient les esprits sauvages de la nature. Elles sont vêtues d'une peau de bête, d'un thyrse et d'un tambourin et paradent aux côté des satyres. Toujours ivres, en transe, lorsqu'elles atteignent le paroxysme de leur délire, elles s'attaquent aux voyageurs qui s'aventurent sur les routes, les démembrent et les dévorent. Dans la statuaire grecque classique, elle sont représentées les bras écartés, prises par la danse et bondissantes. Leurs vêtements comme leurs cheveux semblent flotter dans le mouvement. Cette copie, inspirée du sculpteur Scopas, porte en elle un grâce toute particulière tout en traduisant une sauvagerie primitive.   L'Apollon à la lyre ou Apollon Pothos se réfèrent à une idée philosophique décrite par Platon. Il distingue à l'intérieur de "l'éros" (courant qui vient du dehors se couler dans l'âme) deux variétés, le "pathos", désir de l'objet absent, par opposition à l'himeros", désir de l'objet présent. L'original de Scopas tendait ses bras en avant dans un élan passionné, Apollon souffrant de l'absence de l'être aimé. Certainement par pruderie, l'interprétation romaine présentée ci-dessous lui a placé une lyre entre les mains en le réduisant à un simple dieu de la musique, "Apollon cithariste".   Méléagre est une des dernières réalisation de Scopas. Il représente un héros de l'antiquité, Méléagre, fils d'Œnée, roi de Calydon. Le jeune homme se repose après avoir tué de son javelot le monstrueux sanglier de Calydon qui dévastait les terres de son père, tuant hommes et bêtes sur son passage. Ménade (copie romaine d'après Scopas) Apollon à la lyre (copie romaine d'après Scopas) Méléagre (copie romaine d'après Scopas)   Léocharès est un sculpteur athénien dont la majeure partie de l'œuvre est consacrée à l'étude des types divins, et principalement des Olympiens. Élève de Scopas et collaborateur de Lysippe, son style se distingue par la qualité graphique des draperies, la souplesse des compositions et la légèreté des silhouettes.   Artémis est l'une des douze divinités de l'Olympe déesse de la Lune et de la Chasse. Ses attributs sont la biche, l'arc en or, le carquois, les flèches et le croissant de lune. Léocharès représente Artémis avec un visage assez rude et donne à son corps un mouvement croisé très dynamique.   Le Portrait d'Alexandre le Grand est remarquable par l'intensité et l'intelligence de l'expression, la sensualité frémissante de la bouche et la chevelure léonine.   L'Apollon du Belvédère est une copie romaine en marbre, certainement réalisé à l'origine en bronze par le sculpteur. Elle représente le dieu Apollon en marche, tenant un arc à la main. Le dieu est représenté plus grand que l'homme, nu, portant des sandales et une chlamyde (un manteau) sur les épaules. Le carquois porté en bandoulière confirme que le dieu tenait un arc dans la main gauche. Dans la main droite, il pouvait tenir une flèche (dieu vengeur) ou un rameau de laurier noué de bandelettes (dieu purificateur). Artémis ou Diane de Versailles (copie de Guillaume Coustou) Portrait d'Alexandre le Grand (par Léocharès) L'Apollon du Belvédère (copie d'après Léocharès)   Bryaxis, un carien de l'Anatolie rejoint les sculpteurs Scopas, Timothéos et Léocharès pour exercer son art en participant à l'ornementation du côté nord du Mausolée d'Halicarnasse. Son œuvre est peu connue, mais les quelques indications le concernant décrivent un style assez fougueux, des silhouettes élancées et des compositions faites d'obliques marqués et teintées d'exotisme.   Frise représentant une amazonomachie. Ce bas-relief a été trouvé à Athènes. Il est en marbre pentélique et représente deux amazones armées combattant un guerrier grec nu (amazonomachie).   Le Sérapis d'Alexandrie est une divinité introduite en Égypte par Ptolémée Ier (le roi grec du royaume d'Egypte) désireux d'instaurer un culte commun aux Égyptiens et aux Grecs. Ce dieu réuni les attributs de différents dieux grecs : Hadès (dieu des Enfers), Asclépios (dieu de la médecine), Dionysos (dieu du vin) et Poséidon (dieu des mers). Il est donc à la fois dieu des morts, dieu guérisseur, dieu de la fertilité et protecteur des marins. On en fit un dieu suprême et son culte gagna la Grèce, Rome, l'Asie Mineure et la Gaule romaine. Dans ses différentes reproductions, le caractère infernal de Sérapis est souvent souligné par l'utilisation du basalte pour sa couleur sombre. Il se peut que l'œuvre originale de Bryaxis ait été réalisée avec plusieurs alliages sombres et des émaux, à l'exemple de la technique chryséléphantine (utilisation de plaques d'ivoire et d'or assemblées sur une armature de bois). Les quatre ou cinq boucles qui tombent sur son front, comme le calathos ou modius qu'il porte sur la tête, font parties de ses caractéristiques. Amazonomachie (par Bryaxis) Sérapis (copie en marbre d'après Bryaxis) Période Hellénistique de - 330 à - 30 av. J.-C.   La sculpture hellénistique conserve les innovations du second classicisme. Ronde-bosse parfaite, étude des drapés, transparence et souplesse des attitudes, points de vue multiples. Toutefois, les sculpteurs de cette période veulent donner plus d'expressivité à leurs figures en se tournant vers une représentation naturaliste, c'est-à-dire très proche de la réalité. l'hellénisme induit des dynamiques mais aussi des sentiments, souvent théâtralisés. Une statue hellénistique met en scène un instant figé, un mouvement arrêté.   A la mort d'Alexandre le Grand, le territoire immense qu'il a conquit est laissé en pâture à ses successeurs. Naissent alors une mosaïque de petits royaumes. Ils s'appellent royaumes de Pergame, d'Arménie ou de Sicile. A coté, poussent des cités libres telles que Corinthe, Rhodes ou Alexandrie. En créant de grandes capitales et en désirant les doter de magnifiques édifices publics (temples, bibliothèques, monuments, théâtres, parcs, rues bordées de colonnades, etc.), les monarques stimulent la production artistique en donnant aux artistes l'occasion d'exercer leur talent. Parallèlement, une classe de hauts fonctionnaires et de riches hommes d'affaires voit le jour. Ils sont eux aussi désireux d'embellir leurs demeures de jolies œuvres. A travers toute la Méditerranée et jusque dans l'intérieur des terres, les échanges culturels se multiplient et créent une émulation qui influence les artistes. Trois styles importants se distinguent au cours de cette période : Le baroque hellénistique - Le rococo hellénistique - Le style rétrospectif   Le baroque hellénistique :  L'exemple le plus célèbre du baroque hellénistique s'observe dans les fresques sculptées du Grand Autel de Pergame. Grand Autel de Pergame (reconstitution au musée de Pergame - Berlin)   Les frises du Grand Autel de Pergame représente une gigantomachie qui s'étale sur 110 mètres de long. C'est l'illustration dans la pierre d'un poème composé spécialement pour la cour. Les Olympiens y triomphent de Géants dont la plupart sont transformés en bêtes sauvages : serpents, oiseaux de proie, lions ou taureaux. Leur mère Gaïa, venue à leur aide, ne peut rien faire et doit les regarder se tordre de douleur sous les coups des dieux.   Imposante et théâtrale, les figures doivent avant tout impressionner l'observateur. La composition est dynamique et multidimensionnel avec des personnages sur plusieurs plans. La violence des actions et l'intensité des émotions s'expriment à l'excès dans des scènes efficaces, pathétiques et expressives. Les mouvements vifs hélicoïdaux et les torsions donnent de l'amplitude, les drapés sont débridés et les musculatures puissantes et en tension. Grand autel de Pergame - Scène de la Gigantomachie (frise au musée de Pergame - Berlin)   Le rococo hellénistique :   Le rococo est un mouvement asianiste né dans l'Orient hellénistique. Il se caractérise par un goût pour l'exotisme qui met l'accent sur les sujets mineurs, charmants ou bizarres, dans un ton plus léger et décoratif. Les thèmes galants plus anecdotiques sont abordés, comme des enfants jouant ou copiant des comportements d'adultes, des grotesques, des érotes ou des scènes mettant en jeu les cortèges de Dionysos et d'Aphrodite.   L'érotisme gagne en popularité au cours de cette période et les statues d'Aphrodite, d'Eros, de satyres, de Dionysos, de Pan et d'hermaphrodites sont représentés dans une multitude de configurations.   Le groupe Aphrodite, Pan et Éros a été découvert dans la Maison des Poséidoniastes de Beyrouth à Délos. Il représente la déesse Aphrodite tentant de garder Pan à distance en le menaçant de sa sandale en présence d'Éros. Le corps voluptueux d'Aphrodite contraste avec l'aspect grotesque de Pan qui tente de la séduire, elle est souriante et n'a pas peur, c'est une déesse après tout... Son immense pouvoir érotique est personnifié par la présence d'Eros. Il semble voler et, en tenant une corne de la créature et laisse l'observateur dubitatif quant au déroulement de la scène : s'amuse-t-il de la situation, porte-t-il assistance à sa mère, ou bien encore, aide-t-il malicieusement Pan à l'aborder ?...   Le tireur d'épine reprend l'interprétation du coureur athlétique, mais ici, l'œuvre capture la concentration intense d'un garçon occupé à extraire une épine de son pied. L'artiste, dans la douceur des lignes cherche simplement à émouvoir le spectateur et non plus à glorifier le héro. Cette statue n'a de cesse de fasciner au fil des siècles est a une profonde influence sur les artistes qui en font de nombreuses copies et interprétations. Aphrodite surprise au bain ou Vénus accroupie ou Vénus de Lely est un sujet populaire auprès des sculpteurs grecs, puis chez les romains qui la nomment Vénus. Ici, la déesse est surprise lorsqu'elle se baigne, elle se tourne et couvre pudiquement sa poitrine avec la main. Sa tête est dirigée sur le côté, peut-être peut être pour éviter le regard d'un intrus... Comme beaucoup de sculptures grecques de l'époque hellénistique, la statue originale a été conçue pour créer une interaction entre l'œuvre et l'observateur. Chacun des points de vue présente un aspect étonnamment différent de la déesse nue. Aphrodite, Pan et Éros (œuvre hellénistique de Délos) Le tireur d'épine (copie romaine d'inspiration Hellénistique) Aphrodite surprise au bain (copie romaine d'inspiration Hellénistique)   Le style rétrospectif :   Le public dans son ensemble à gardé une nostalgie de l'académisme et du style classique. On glorifie encore les maîtres du Ve et IVe siècles av. J.C. et les romains, comme nouveau commanditaires, en sont friands. On trouve ainsi un courant néoclassique, marqué par des visages doux et idéalisés, un canon élancé, une sensualité des chairs, des effets de drapés et un aspect tridimensionnel, ou encore un courant néo-archaïque, marqué par le port du chiton et d'un himation transversale et par des plis torsadés. La composition est hélicoïdale, et marquée par un ballonnement du ventre et une compression des chairs, typiquement hellénistique. Les portraits, quant à eux, se teintent de naturalisme sous l'influence de l'art romain.   La Vénus de Milo, retrouvée dans l'île de Mélos (dite Milo) est certainement la figure la plus célèbre de ce style qui clos l'époque hellénistique. Le genre renoue avec des thèmes classiques proche de celui de Praxitèle, mais innove aussi en se libérant de l'héritage du passé et en faisant preuve d'une originalité créatrice. Ainsi, l'expression du visage conserve une certaine sévérité "classique", alors que le corps est animé d'un mouvement de torsion qui s'inscrit dans toutes les dimensions de l'espace et est véritablement senti comme une œuvre de ronde bosse. Cette silhouette mouvante, tourbillonnante et ce modelé si réaliste sont la preuve du génie de son créateur. Admirée de tout temps, le poète Henri Heine la nommait "Notre Dame de la Beauté", tandis qu'un autre, Leconte de Liste, déclamait : "Pure comme un éclair et comme une harmonie, ô Vénus, ô beauté, blanche mère des dieux". Sans oublier le sculpteur Auguste Rodin qui louait son ventre splendide, large comme la mer... Le portrait d'Homère compte parmi les nombreux portraits imaginaires d'Homère, l'auteur de l'Iliade et de l'Odyssée. A l'époque hellénistique, Homère incarne le poète par excellence et jouit d'une grande ferveur populaire, au point de recevoir un culte et d'être honoré à l'égal d'un dieu. De nombreux portraits ornent les bibliothèques des milieux savants d'Athènes, d'Alexandrie et de Pergame. Celui-ci, à travers un vocabulaire pourtant réaliste, présente une image idéale et vénérable du vieil aède inspiré par les dieux et tourné vers sa vision intérieure. Le traitement pathétique du visage marqué par l'âge accuse la déchéance physique du vieil homme. La fixité du regard et les orbites profondément creusées trahissent la cécité dont il souffre. Les mèches de sa chevelure et de sa barbe sont animées d'un souffle divin... La Vénus de Milo (son visage) La Vénus de Milo (face et dos) Portrait d'Homère (copie romaine d'inspiration Hellénistique)   Durant cette période et sous ces influences, plusieurs ateliers possèdent leur école et se distinguent par leurs productions : Les Ateliers Rhodiens   Les ateliers rhodiens rassemblent des sculpteurs itinérants, venant de régions variées. Ils sont assimilés en recevant la citoyenneté de l'île. Les divinités adorées et souvent représentées par les artistes de Rhodes sont Athéna, Zeus ou Sérapis.   La riche cité de Rhodes et surtout connue pour son fameux Colosse de bois et de bronze, une des sept merveilles du monde antique réalisée par Charès de Lindos, un disciple de Lysippe. Détruite par un séisme, il ne reste plus aujourd'hui aucune trace du colosse. La statue de plus de 30 mètres représentait le Dieu du soleil Hélios ou bien le dieu Apollon et symbolisait la résistance victorieuse des Rhodiens contre le conquérant Démétrios.   Mais la statue rhodienne la plus renommée et qu'il est encore possible d'admirer est la Niké juchée sur la proue d'un navire. Conservée au musée du Louvre, elle est mieux connue sous le nom de Victoire de Samothrace. La Victoire de Samothrace (détail) La Victoire de Samothrace (vue d'ensemble)   Le groupe du Laocoon et ses fils punis par le dieu Apollon est également une œuvre magistrale. Réalisée par les sculpteurs rhodiens Agésandre, Polydore et Athénodore, la scène raconte un épisode de la guerre de Troie :   Un cheval offert par les Grecs est aux portes de la cité et le prêtre Laocoon s'oppose à son entrée pensant à juste titre qu'il s'agissait d'un piège (le cheval de Troie...). D'après l'Enéide, des serpents venus de la mer attaquent et tuent les deux fils du prêtre puis Laocoon lui-même avant de se réfugier dans le temple d'Athéna. Les Troyens interprètent alors cet événement comme un châtiment divin contre le prêtre qui outrageait les dieux en refusant cette offrande et laisse entrer le cheval dans la cité en tombant dans le piège...   Les sculpteurs n'ont pas choisi de représenter la mort de Laocoon mais le moment précis de sa souffrance et de celle de ses enfants étouffés par les serpents.   Cette sculpture reflète la grande maîtrise technique des trois sculpteurs rhodiens. La recherche du détail, la puissance, l'atmosphère dramatique de la scène, le goût du pathétique, le "pathos", du monde hellénistique trouve ici tout son essor.   La scène, comme prise sur le vif, traduit la tension dramatique à travers le visage des personnages. Les yeux sont exorbités, désespérés, les muscles sont tendus, les corps sont tordus et emprisonnés, la torture est physique et morale. Les serpents qui s'enroulent autour des personnages impuissants, assurent un lien logique qui harmonise la lecture de l'œuvre. Laocoon et un de ses fils sont acculés à l'autel ce qui permet aux rhodiens d'accentuer la notion de fatalité. C'est un dieu qui a envoyé ces serpents, il n'y a donc pas d'échappatoire possible. Laocoon et ses fils punis par le dieu Apollon (copie d'après Agésandros, Athénodore et Polydore)   On montre ici des éléments qui s'opposent et qui s'unissent à la fois. Laocoon est debout, robuste, mais aussi figé sur place, alors que les mouvements des serpents sinuent, s'enroulent. Le corps paraît jeune, mais la tête est celle d'un homme vieilli. Les muscles indiquent la force alors que le visage montre la perte des fonctions vitales. La tension entre la force et la perte de détermination indique l'état du mourant héroïque.   L'œuvre a beaucoup inspiré les artistes tels que Bandinelle, Michel-Ange ou encore Parmigianino. C'est un mythe qui attire aussi les photographes comme Braun ou bien l'artiste Pierre Paul Rubens. Elle est représentée aussi bien sous forme de peintures, de bronze ou de marbre. Les Ateliers Pergaméniens   Pergame est le siège d'une école de sculpture brillante, dite du "baroque pergaménien". Les sculpteurs, tout en citant les siècles précédents, mettent en scène des moments douloureux qu'ils rendent expressifs par des compositions tridimensionnelles avec un hyperréalisme anatomique. La force des détails et la violence des mouvements sont les caractéristiques du style pergaménien. Elles sont poussées à leur paroxysme et parfaitement illustrées par les frises du Grand Autel de Pergame décrites précédemment dans la description du baroque hellénistique.   Le sculpteur Epigonos de Pergame exprime aussi par ses œuvres cette tendance. La représentation du Gaulois mourant, symbolise la victoire d'Attale Ier sur les Celtes de Galitie. Ici, la figure torturée, dans sa nudité héroïque introduit avec force, mouvement et tension la douleur d'un homme vaincu, sur le chemin de la mort. Le tragique réside dans la résistance du Gaulois face à l'agonie. Bien entendu, on glorifie ici la civilisation attalide qui a réussi à vaincre ces honorables guerriers mais, à l'inverse d'autres emblèmes de victoire, le soldat n'est pas désavoué mais représenté dans toute sa noblesse.   Dans la même veine, le Galate se suicidant avec sa femme montre un guerrier gaulois vaincu qui s'afflige un coup d'épée mortel. La scène théâtralisée et réaliste à l'extrême le représente nu car c'est un combattant du premier rang, sans bouclier ni cotte de maille. Il se plonge une épée sous la clavicule pour atteindre le cœur. La pointe du glaive est enfoncée dans la chair et un flot de sang s'en échappe. De l'autre main, il soutient sa femme morte ou mourante. Son riche vêtement indique son rang élevé de femme de chef ce qui lui interdisait la honte de tomber vivante aux mains de l'ennemi et de subir l'esclavage, destin habituel des vaincus. Le gaulois mourant (copie romaine d'après Epigonos de Pergame) Galate se suicidant avec sa femme (copie romaine d'après une œuvre pergaménienne)

ANTIQUITE ROMAINE Monarchie : Art Etrusque de - 700 à - 509 av. J.-C.   La civilisation étrusque s'est développée à partir de la fin du VIIIè s. avant J.C. sur les sites occupés précédemment par les Villanoviens. Leur territoire, l'Étrurie antique, correspondant à peu près à l'actuelle Toscane et au nord du Latium, soit le centre de la péninsule italienne, avant la période de la royauté romaine. L'art produit par cette civilisation est d'une grande richesse. Peinture, joaillerie, métallurgie et sculpture, les Étrusques sont de grands artistes et artisans.   Comme l'essor même de son peuple, celui de son art fut rapide. Les Etrusques vendent leurs riches gisements miniers (cuivre, plomb et argent) à la Grèce et au Proche-Orient. Attirés par ces nouveaux mécènes richissimes, un grand nombre d'artistes grecs s'installe en Etrurie pour y travailler. La grande sculpture et la fresque naissent sous l'influence de l'art archaïque grec qui sert d'inspirateur et de modèle à l'art étrusque.   La sculpture étrusque a d'abord pour objet de rendre un culte aux ancêtres. Dans la période orientalisante, les sculpteurs sont indifférents à reproduire les formes du corps avec réalisme. La production de sarcophage et d'urnes cinéraires reste jusqu'au bout un des éléments les plus caractéristiques de l'art étrusque. Les artistes travaillent le plus souvent la terre cuite ou le bronze qu'ils maîtrisent à la perfection (laminage, fonte pleine ou creuse d'alliage au cuivre local et à l'étain importé). Secondairement d'autres matériaux sont travaillés comme l´albâtre, l´ivoire et l´ambre ou encore les roches locales, souvent métamorphiques : nenfro, pépérin, tuf, travertin et pietra fetida.   Au VIème siècle, les Couroi (homme nu debout) et les Coré (femme drapée debout) imagées par les Grecs sont interprétés avec la saveur étrusque. Tête d'Hermès (terre cuite par le sculpteur Vulca)   Les corps paraissent plus souples et dynamiques, les visages gagnent en expression grâce à leur sourire énigmatique. Indifférents aux proportions du corps humain, les sculpteurs étrusques sont plus attentifs à l´expression (yeux, bouche, mains) et au détails des vêtements ou des parures.   Un des rares noms connu de sculpteur de cette époque est celui de Vulca. Ses statues grandeur nature en terre cuite viennent orner le faîte du temple de Minerve, situé à Portonaccio, près de Véies. Apollon de Véies (terre cuite par le sculpteur Vulca)   Sa représentation d'Apollon montre la forte influence grecque, jambe qui fait un pas en avant et "sourire archaïque", mais illustre aussi parfaitement tout le charme qui émane de l'art étrusque. Urne cinéraire (terre cuite)   L'influence grecque se retrouve encore clairement dans l'art étrusque au Vème siècle avant J.C. L'ensemble dit des chevaux ailés est un fragment du fronton d'un temple étrusque, l'autel de la reine, situé dans l'ancienne ville de Tarquinia. Ces chevaux tiraient probablement le chariot d'un Dieu ou d'une Déesse. La singularité des couleurs, la puissance du modelé et le raffinement des détails semblent dépasser l'art grec hellénistique dont il s'inspire. Chevaux ailés (Terre cuite peinte)   Quand la statuaire grecque cherche à produire une émotion artistique, à impressionner l'esprit dans la perfection du rendu des corps, la statuaire étrusque s'attache à laisser une impression de liberté, de joie, de plénitude de la vie. Chimère d´Arezzo (bronze)   Après une période de déclin, le IVème siècle avant J.C. voit un renouveau dans la sculpture étrusque avec des figures calmes, des visages impassibles. De la sobriété et de la simplicité de la Louve du Capitole, de la puissance et du fantastique dans la Chimère d´Arezzo.   C'est le grand siècle de l'histoire des Étrusques, c'est aussi l'apogée de leur art qui s'exprime. Cependant, avant même le milieu du Vème siècle, commence pour l'Etrurie une période de décadence où son inspiration faiblit, les artistes ont tendance à répéter d'anciennes formules. Alors que jusque-là, l'art grec et l'art étrusque s'étaient développés à peu près simultanément, l'art étrusque semble soudain s'attarder dans la simplification et le formalisme des traditions archaïques. Cela se manifeste par ce sourire "à la Joconde" que l'on retrouve sur de nombreuses statuettes de terre cuite ou de bronze. Alors même que s'affadit la création artistique, la suprématie de l'Etrurie s'affaiblit de plus en plus: en 474, la défaite de Cumes sonne le glas de la thalassocratie étrusque. L'étape suivante sera la domination de Rome sur toute l'Italie. Mars de Todi (bronze)   Les siècles suivants marquent le retour au classicisme grec visible dans l´équilibre et la sérénité du Mars de Todi, le dieu de la guerre, une statue en bronze provenant des ateliers d'Orvieto. Tandis que L'Arringatore (l´Orateur) montre la romanisation progressive de l'aristocratie étrusque. La main tendue du personnage est disproportionnée afin de renforcer l'intention (une forme stylistique de la statuaire étrusque). L'Arringatore (bronze)   Pour être complet concernant la sculpture étrusque, il faut évoquer l'Ombre du Soir, ce jeune garçon nu filiforme, les bras le long du corps, la tête légèrement penchée, le visage fin, arrondi et doux. Ombre du soir (bronze)   Cette statuette votive a été baptisée ainsi par le romancier Gabriele d'Annunzio car sa silhouette lui évoquait une ombre au sol allongée par le soleil du crépuscule.   Datée du IIIe siècle av. J.-C., elle provient des fonderies antiques de la région de Volterra.   Pour les Etrusques, cette représentation figure le "corps astral" ou "corps fluidique", à savoir la partie de l'âme qui peut voyager hors du corps qui l'abrite.   Ce corps émacié à l'extrême influença à l'évidence le sculpteur Giacometti dans toute son œuvre. Ombre du soir (détail du buste) République Romaine de -509 à -31 avant J.-C.   Le défilé triomphal des butins de guerre pris aux cités grecques vaincues développe chez les Romains le goût pour les formes helléniques. Séduits par leurs peintures et leurs sculptures, ils s'approprient l'esprit de l'ennemi en s'emparant notamment de leur patrimoine artistique. Dans les villes, ils glorifient leurs victoires en confiant à des artisans et artistes étrangers, notamment venus d'Athènes, la réalisation entière de programmes architecturaux, d'ensembles statuaires en leur honneur. Parallèlement, l'art privé (peintures, mosaïques, sculptures) vient embellir les villas des riches familles aristocratiques.   Durant la période héroïque des débuts et des conquêtes le peuple romain se compose de soldats-paysans, à l'économie simple et à la culture fruste. L'art est un luxe superflu, voir dangereux, lorsqu'il ne sert pas à glorifier la puissance politique et militaire de la cité. Mais, Rome est en contact étroit et constant avec des peuples de culture avancée, les Étrusques et leurs statues de terre cuite ou de bronze puis les Grecs de Campanie qui affluent à Rome suivis d'artistes qui viennent orner leurs temples de leurs Dieux, Dioscures, Héraclès, Déméter, Apollon... Les œuvres d'art volées aux cités vaincues, comme celle de Syracuse sont dispersé dans l'Empire Romain. On construit des sanctuaires, des édifices publics et des arcs de triomphe (fornix). Les arts plastiques se développent également dans une statuaire iconographique, en pierre et en bronze, qui envahie bientôt les places publiques.   La sculpture romaine connaît alors une forte influence de l'art grec dont ils sont de grands admirateurs. Une importante partie de leurs sculptures ne sont d'ailleurs que des copies des œuvres grecques. Mais ils développent peu à peu leur propre style dans l'art de la statuaire et en particulier dans l'art du portrait. Alors que l'artiste grec exprime l'idée d'un homme idéalisé, la mentalité romaine privilégie l'identification et l'individualisation, la recherche de la ressemblance avec le modèle.      L'art du portrait   Le portrait a tout d'abord une fonction funéraire et vise à perpétuer la vie au-delà de l'existence terrestre. Les plus anciennes têtes romaines sont des masques funéraires en cire représentant les ancêtres. Ces portraits sont précieusement conservés dans une armoire placée dans l'atrium (pièce centrale) des riches maisons aristocratiques appelées domus. On les exhibe uniquement au public à l'occasion de sacrifices ou lors du décès d'un membre de la famille.   La sculpture du Togatus Barberini représente un patricien vêtu d'une toge et tenant le portrait de ses ancêtres. Elle constitue un bel exemple de portraituré portant des portraits... Les visages sont réalistes, les marques de la vieillesse ne sont pas estompés car les défauts physiques ne sont pas omis dans l'art du portrait. Togatus Barberini (marbre)   Les termes latins employés pour désigner un portrait sont multiples. La représentation d'un personnage est généralement appelée "statua", une statue-portrait en ronde-bosse. Les différents types sont désignés ainsi : La statua pedestris, un personnage debout La statua equestris, une statue équestre La statua sedens, un personnage assis   Le terme "imago" désigne alors le plus souvent un buste (bustum) figurant un dieu ou un empereur divinisé (simulacrum ou signum), ou encore un ancêtre.   Pour les Romains, seule la tête représente vraiment le modèle. Lors de la création du portrait, on fixe la position de la tête et son expression, le type de coiffure ou la nature de la barbe. Contrairement aux Grecs, les nus romains sont quasi-inexistants. Le corps indique le rang social ou la fonction, à travers certains attributs ou vêtements. Il correspond généralement aux désirs du commanditaire ou est adapté à certaines obligations.   Le type le plus fréquent est l'effigie d'un personnage en toge, un "togatus", le vêtement représentatif du citoyen romain, différent de celui des autres habitants de l'Empire. Certains attributs indiques les mérites sociaux, religieux et administratifs du personnage. Ainsi, la statue d'un empereur porte parfois un voile sur la tête afin de le désigner comme "prêtre suprême", une manière de mettre en valeur le caractère sacré de l'état.   Une statue cuirassée (statua thorocata) figure l'équipement des militaires de haut rang.   Les corps nus ou légèrement voilés du statuaire romain sont réservés aux héros et prennent modèle sur la représentation des dieux de la sculpture grecque.   Les femmes portent une large tunique et un manteau, inspirés de la Grèce classique. Un élément typiquement romain est parfois associé, comme la "stola". C'est une sorte de grand châle porté sur les épaules, croisé sur la poitrine et couvrant parfois la tête. Il est propre à la femme mariée romaine.      Homme portant la toge            femme portant la stola La propagande   Pour propager l'image des empereurs et leur fonction auprès des citoyens romains, on diffuse en masse leur portrait dans tout l'empire. On recense ainsi des milliers de statues et bustes d'empereurs figurés à cheval, cuirassés ou bien en toge, dans la position dite en "adlocutio", c'est à dire l'avant-bras tendu.   Les autorités déploient également la communication officielle au travers de multiples supports sculptés, réalisés en bas-reliefs sur des trophées, des arcs, des colonnes ou des autels. Empire Romain -31 avant J.-C. à 476   Les caractéristiques de l'Art romain s'affirment sous le règne d'Auguste de -27 av JC à 14. Libérés de l'influence grecque, les architectes innovent en proposant leurs propres créations qui deviennent à leur tour des modèles et l'une des figures de proue de l'art. Les reliefs sculptés ornent abondamment les édifices, les arcs et les colonnes. Le portrait se développe encore, toujours au service de la propagande impériale. Le style évolue du réalisme vers l'expressionnisme. La sculpture narrative et historique   La sculpture narrative est essentiellement réalisée en bas-relief. Ces fresques sculptées se lisent comme un livre. On y exprime une idéologie au travers de récits fondateurs glorifiant ou on y rappelle de victorieux faits d'arme. Les puissants utilisent ce biais pour célébrer un événement important et le fixer dans la mémoire collective. Le style emprunté s'éloigne des exubérances grecques et utilise un style plus sobre, respectant les règles de la structure narrative. Arc Constantin à Rome   Le relief historique narratif devient un genre artistique majeur. Parmi les nombreux exemples, on peut citer la grande frise de l'arc Constantin, à Rome ou encore la colonne Trajane dont le bas-relief s'enroule en spirale autour du fût, jusqu'à son sommet. Il illustre la victoire de l'empereur Trajan sur les Daces lors des deux guerres daciques (101-102 et 105-106). Colonne Trajane à Rome La sculpture religieuse   Sous l'Empire, c'est encore le relief qui est utilisé pour faire le récit des légendes divines. Plus aisé à réaliser que la ronde bosse, il permet d'illustrer les scènes mythologique sur les vastes espaces que représentent les monuments. Les représentations classiques des divinités sont parfois associées aux figures impériales. Retour triomphant de l'empereur Domitien à Rome L'empereur est entouré de Minerve, Mars, Roma et Victoria   A partir de la République, les cultes domestiques romains sont basés sur une forte croyance en l'immortalité de l'âme. Ainsi, des laraires sont présents dans les foyers. Ce sont de petits autels creusés afin d'accueillir un foyer dans lequel brûle le feu sacré. Les lares, qui figurent l'âme des ancêtres familiaux, sont représentés par des statuettes ou peints sur une paroi des laraires. Si les lares protègent généralement le foyer ou sont parfois dévolus à la protection des domaines agricoles. Ils reçoivent régulièrement des offrandes et, les jours de fêtes, le laraire est orné de guirlandes. Laraire en pierre peinte Lares en terre cuite   Dès sa naissance, chaque homme est accompagné par un Génie protecteur, la femme par la déesse Junon. Le génie des hommes, appelé Genius, est généralement représenté par un serpent (dessiné ici dans le laraire) .   D'autres divinités protègent les familles romaines. Le foyer domestique est sous la protection la déesse Vesta et le dieu à deux têtes, Janus, est le gardien de la porte d'entrée.